Как веб-дизайнеры, мы часто сталкиваемся со следующим аргументом — «работа, которую мы делаем, не является настоящим искусством», потому что задачи, в рамках которых мы в основном работаем, помечены ярлыком «коммерческие». Но создаваемые нами решения (по крайней мере, успешные) почти всегда базируются на основополагающих принципах искусства и дизайна, которые преподают в школах всего мира, независимо от того, брали ли вы или нет уроки по основам дизайна или колористики.

Я предпочитаю не давать определения искусству. На самом деле, я даже предпочитаю не давать определения дизайну любого типа, будь то веб- или что-то ещё. Но я хочу поделиться некоторыми приёмами, полученными в художественной школе, которые я использую сегодня для того, чтобы улучшить мой собственный дизайн сайтов, если под рукой нет лишней пары глаз, чтобы сказать мне «эй, здесь кривая перспектива» или «ты не умеешь делать дизайн для женской аудитории».

Для начала — короткая история из прошлого

Я очень хорошо помню тот день, когда мой профессор похлопал меня по плечу и предложил отойти подальше от моей картины маслом, над нюансировкой которой я работал несколько недель. На холсте размером метр двадцать на метр восемьдесят постепенно возникало изображение сокола, выполненное тромплеем (потом ещё эта картина наградила меня прозвищем «Птичка» на все два оставшихся года учёбы).

Профессор отступил на несколько шагов. Я тоже. Два метра отделяли меня от моего шедевра. Некоторое время мы молча стояли, глядя на мою работу.

Он нарушил тишину, спросив меня, слышал ли я когда-нибудь термин «расстояние художественного восприятия»? Я покачал головой. Вздохнув, профессор объяснил, что художники склонны к излишней близости со своими творениями. В результате физическая и эмоциональная близость в совокупности образуют некий ментальный блок и не позволяют художнику видеть недостатки в собственной работе.

Он стоял со мной, пока я внимательно изучал каждый мазок в моей живописи. Я чувствовал, как напряжение спадает. Чтобы расслабиться, достаточно было просто отойти от мольберта, и то, что я увидел перед собой, было гениально. Я поздравил себя с тем, что вижу то, что видел он. Структура поверхностей моего прекрасного сокола распалась на отдельные фрагменты. «Чёрт», — подумал я. Удовлетворённая улыбка появилась на лице профессора, и он перешел к следующему студенту.

В тот день я получил неизмеримо важный урок. И все последние 22 года я применяю этот трюк ко всем своим персональным и профессиональным работам.

История термина

Мои усилия по поиску определения «художественной дистанции» в учебниках закончились практически ничем. Однако это ни в коем случае не новая концепция. Это преподают в любой художественной школе мира в той или иной форме. Почти в каждом музее вы услышите экскурсоводов, которые предлагают своим группам отойти на шаг назад от картины, чтобы действительно увидеть её (конечно, если это не картина Яна Вермеера).

Возникает вопрос: когда это понятие было впервые предложено?

Аристотель представил идею эстетики в своей основополагающей работе «Поэтика», в которой он обсуждает различные метафизические компоненты драмы.

«Расстояние художественного восприятия» в том виде, как оно было изложено моим профессором, фактически является комбинацией из двух параллельных концепций, которые основываются на размышлениях Аристотеля.

Вскоре после наступления XX века психолог и философ Эдуард Баллог написал новаторское эссе, озаглавленное «Физическая дистанция как фактор в искусстве и как эстетический принцип». Его монография была впервые напечатана «Британским психологическим журналом» в 1912 году. Баллог описал различные «типы» расстояния: от пространственного до временного и физического. Суть его рассуждений может быть сведена к его собственным словам:

«Расстояние не предусматривает безличного отношения, чисто интеллектуального интереса или чего-то такого рода. Оно описывает личное отношение, часто — весьма окрашенное эмоционально, но особенного характера. Эта особенность заключается в том, что личное отношение присутствует, но, так сказать, в чистом виде. Оно очищено от практической, реальной природы очарования, при этом, однако, теряя своё первоначальное строение»  — Баллог.

Теория Баллога относится в первую очередь к тем произведениям искусства, которые можно просматривать по отдельности, например, на стене картинной галереи — и предназначена для интерпретации опыта, который зритель получает при просмотре данного произведения.

В 1946 году Стивен Пеппер опубликовал в (американском — прим. переводчика) журнале «Эстетика и искусствоведение» своё продолжение статьи Баллога, назвав его «Эмоциональная дистанция в искусстве». Пеппер утверждал, что «неспособность установить достаточную эмоциональную дистанцию разрушает эстетическую ценность произведения искусства». Радикальные идеи Пеппера по восприятию искусства основывались на двух нерушимых принципах:

1. физические объекты должны находиться в сфере восприятия зрителя;
2. воспринимающий должен быть открыт для такой стимуляции.

Каким образом это относится к вам?

Сервисы Dribbble and Forrst — два примера социальных сетей, пытающихся решить проблему независимых людей творческих профессий, с которой они сталкиваются каждый день: изоляция. Оба эти сайта были разработаны, чтобы стать площадками, где фрилансеры могли бы получать отклики в процессе своей работы.

Расчёт был на то, что, подвергаясь критике, люди поднимут общий уровень дизайна в своем сообществе. Эффективность обеих попыток является предметом для обсуждения.

Хотя я уверен, что кто-то со мной не согласится, но эти сайты доказали, что очень немногие «профессионалы» обладают способностью (или смелостью) разумно и конструктивно анализировать чужие работы (независимо от того, просили ли их об этом). Мое мнение не имеет ничего общего с каким-либо из этих сайтов, а касается лишь неспособности или страха профессиональной индустрии бросить вызов существующему положению вещей. Слишком часто честность встречается с насмешкой, попыткой опозорить или даже неприкрытым гневом, исходящим от людей, скрытых за электронными средствами коммуникации.

С точки зрения сообщества, если наша цель — поднять уровень дизайна, то нам нужно место, где приветствуются объективные дискуссии, а не презрение или угодливость. Я хотел бы видеть обсуждение основных приёмов в дизайне, минуя показные тренды новых веб-технологий. Моё мнение основано на двух вещах: факте и наблюдении.

Факт: когда Дэн Седерхольм запустил Dribbble, его заявленным намерением было создание площадки, которая должна поднять уровень дизайна в отрасли, объединяя лучшие таланты веб-дизайна для того, чтобы помочь разрозненным специалистам улучшать собственные текущие работы при помощи обсуждений (и критики).

Наблюдение: я был участником Dribbble около двух лет и и наблюдал его рост от скромных начинаний с незначительных споров до того, чем он стал сегодня — онлайн-портфолио. Dribbble доказал, что уровень таланта в индустрии весьма впечатляющ. Я персонально слежу за рядом иллюстраторов и дизайнеров, чьи способности достойны абсолютного восхищения. Однако, если вы потратите минут пять на просмотр страниц Dribbble, вы найдёте тысячи и тысячи поверхностных ответов, и очень, очень немногие ветки дают действительно ценную обратную связь.

99 из 100 ответов попадают в категорию «вау!» или «удивительно», независимо от того, насколько хорошо выполнена, технически искусна или концептуально сильна обсуждаемая работа. Это здорово радует глаз, но не является средством обучения, а я считаю, что оно должно быть.

Каждый хочет при сдаче работы услышать от клиента или коллег нечто вроде «ух ё!», «классно!», «так круто!». Но бесполезная похвала не годится ни на что, кроме немедленного удовлетворения своего эго. Она не учит вас ничему.

Потоки похвал в Твиттере, Дриббле или в любой другой социальной сети должны подвергаться внимательному рассмотрению точно так же, как и ничем не подкрепленная критика.

Суть проста: если вы можете критиковать свою собственную работу, вы сможете конструктивно критиковать кого-то другого. Пойдём дальше: чем более уверенным и опытным критиком вы будете (неважно, для себя или для других), тем лучше вы будете подготовлены к защите собственных проектных решений при первом показе клиенту.

Критика или «конструктивный критицизм»?

Критика — это не мнение. Мнение не нуждается в обосновании. 

Критика — это подробная, объективная оценка. Она честна. Она безлична. Она может быть деликатной, как аромат вереска в односолодовом виски, или же вы можете почувствовать себя, как после удара битой от Louisville Slugger.

(примечание переводчика: односолодовый (single malt) виски — это произведённый одной (это важно) вискокурней из ячменного солода; возможен купаж разных лет выдержки, например, Бомо Ледженд. Louisville Slugger — известный производитель профессиональных бейсбольных бит).

Но её единственной целью является предоставление ещё одной объективной точки зрения. Вы, как веб-дизайнер, можете принять или отклонить анализ вашей работы. Это не хорошо и не плохо. Это просто ещё одна оценочная точка зрения.

Хорошая критика подразумевает разницу между «Это сосёт» и «Я думаю, что это сосёт, потому что...».

Например, я оставил в Dribbble следующее замечание моему другу и коллеге, Филиппу Зенглу:

«Одно замечание: последняя часть закругления вокруг слова „corp“ смущает и останавливает мой взгляд. Проведи линию взгляда вверх и от логотипа, вместо того, чтобы возвращать её обратно».

Это весьма простой пример, но вы можете быть откровенны... при условии, что ваши слова рассматриваются, как анализ. Критика — это не принижение чьей-то работы или, хуже того, чьей-то личности. Речь о том, чтобы помочь кому-то избавиться от собственных стереотипов. И помните, что толстая кожа полезна не только крокодилам.

Рассмотрим ответ, который я получил от человека, который совершенно точно не был дизайнером, относительно моего первого эскиза, которым я проиллюстрировал эту статью. «Ни одна женщина, читающая про предметы роскоши, не будет тратить время на этот сайт». Я задал ей пару вопросов, чтобы лучше понять её мнение. В ответ я услышал о-очень много: «Цвета все неправильные, а это слишком квадратное, картинки слишком малы, и шрифт тоже, почему ссылка на Фейсбук именно здесь, навигация уродлива, статьи слишком длинные, дизайн выглядит так, как будто его делал мужчина, например, ты когда-нибудь видел сайт Тиффани? А это всё отстой».

Чтобы дать вам бесценную обратную связь, оценка не обязательно должна быть сформулирована предельно точно. Но, будучи дизайнером, вы должны знать своё ремесло достаточно хорошо, чтобы быть кратким и честным в оценках, а также внимательным к точкам зрения других людей. В конце концов, вы же создаёте коммерческий продукт.

Значит ли это, что нужно обосновывать такую вещь, как «конструктивная похвала»?

Предполагая, что большинство людей не решаются или боятся критиковать работу коллег, попробуйте что-то другое, когда вы хотите оказать поддержку. Не ограничивайтесь простым «Фантастика!» Потратьте время, чтобы подробно описать, почему вы находите определенный аспект чьей-то работы превосходным. Подробно объясните, почему вы считаете, что «Вау» будет гарантированной реакцией. Какие ощущения вызывает у вас цветовая гамма или композиция? Чем вам нравится элемент иллюстрации? Можете ли вы догадаться о требованиях бренда или о концептуальных намерениях исполнителя, анализируя его работу? Какие основные элементы графического дизайна вы можете распознать? Применялась ли техника, которую вы не можете идентифицировать?

Научившись описывать детали в дизайне, которым вы восхищаетесь, вы также научитесь распознавать и описывать дизайн, который вы совсем не считаете потрясающим. В некоторых случаях вы даже измените своё первое впечатление после некоторого количества попыток объяснить себе, почему же нечто показалось вам «таким классным».

Художественная дистанция и пиксели

В любой работе в какой-то момент все мы хотим знать, на верном ли мы пути, хороши ли наш дизайн, иллюстрация или логотип. Если вы регулярно «примеряете» ваш дизайн к вашим коллегам или друзьям для получения обратной связи, это здорово. Вы можете считать себя счастливчиком, если у вас есть друзья, которые будут снисходительны к вашему эго достаточно долго, чтобы снабжать вас вдумчивыми отзывами. Но как насчёт времени, когда вы предоставлены сами себе?

В отсутствие формального определения, художественную дистанцию можно охарактеризовать как «методологию самокритики». Я использую эти приёмы, чтобы помочь себе оценить и критически проанализировать эффективность моей работы, пока её делаю. Они применимы для веб-дизайна, иллюстрирования, фотографии и для любой другой визуальной среды.

Оторвите свой зад от стула

Встаньте, пройдитесь по комнате и посмотрите на свой дизайн. Что вы видите? Вы можете прочитать призыв к действию? Есть ли у пользователя заметный визуальный путь для для обхода обязательных элементов? Вы видите кнопки? Создаёт ли ваш макет определенное настроение? Он слишком загромождён деталями? Слишком беден ими? Подойдите ближе и задайте себе эти вопросы ещё раз.

Создание пространственного расстояния между вами и вашим дизайном поможет прояснить все вопросы, поставленные выше, и не только их. Расстояние поможет вам сфокусироваться на важных аспектах макета вместо создания сложного узора для оформления заголовка.

Переверните

Простой трюк, который иллюстраторы используют для выявления проблем с анатомией и перспективой в работах — это переворачивание рисунка вверх ногами. Смещая плоскость объекта (или смещаясь сами), вы заставляете мозг мгновенно перестраиваться для понимания визуальной композиции. Проблемные области при этом будут торчать на виду, как больной палец.

Вы легко можете применить ту же технику к веб-дизайну, используя любимый графический редактор для поворота всего изображения на 180 градусов. А после начните задавать себе вопросы. Основная композиция всё ещё работает? Все необходимые элементы заметны? На чём сделан акцент в этом проекте? Какие основные центры внимания вы видите?

Преобразуйте

Вы доводили до совершенства цветовую палитру на протяжении многих дней или даже недель. Но работает ли она?

Преобразуйте ваш дизайн в оттенки серого. Ничто не покажет эффективность вашего выбора цветов лучше, чем удаление эмоциональной связи с цветом вообще.

Если ваш дизайн работает в черно-белом виде или в оттенках серого, — он работает. Точка.

«Серость» покажет, насколько хорошо визуальная очередность — кнопки, заголовки и т. п. — представлена в вашем макете. Преобразовав дизайн в оттенки серого, вы сможете четко увидеть, какие элементы страницы были разработаны в качестве центров внимания. В этом примере вся шапка сайта, включая логотип и навигацию, была разработана так, чтобы выглядеть менее контрастной, нежели изображения и заголовки с аннотациями статей. Были приложены все усилия, чтобы вовлечь пользователей в чтение страницы, используя фотографию в качестве зацепки.

Вы даже можете сделать следующий шаг и инвертировать оттенки серого, выбрав соответствующий пункт в меню режима отображения страницы. Превратите черное в белое, белое в черное, и вы увидите свой проект с совершенно новой точки зрения.

Опять же: что выделяется?

Беглый взгляд

Вы проводите часы, недели или месяцы, меняя шило на мыло в своей голове перед тем, как сядете и перенесёте это на бумагу или в пиксели. В тот момент, когда вы первый раз кликните вашей мышью, вы связываете себя с «решением», которое, как вы считаете, соответствует проекту и требованиям бренда. Эмоциональная связь уже сильна. Как её разорвать?

Выкиньте дизайн из головы и создайте первоначальный макет. Добавьте в него так много (или так мало) деталей, как вы хотите, и забудьте про него. Вернитесь к дизайну спустя несколько дней или недель. Откройте свой .JPG и пусть он будет на экране весь день (или несколько дней), пока вы занимаетесь, делаете ежедневную бумажную работу или ходите туда-сюда по офису. Разрешите дизайну отвлекать вас ненадолго, и пусть он погружается в ваше подсознание. Вы поймёте, когда будет нужно снова вступить в бой.

Вне всяких сомнений, кто-то станет утверждать: «Ни у кого нет времени, чтобы бросить работу над дизайном на дни или на недели! У всех есть дедлайны!» Если вы не отводите достаточно времени для того, чтобы дизайн оформился в вашей голове, вы обсчитываете и себя, и своего клиента.

Индивидуальный дизайн требует времени на размышление и вы должны встроить это время в процесс разработки. И да, «время на раздумья» — это оплачиваемое время.

Заключение

Требуется определенный образ мышления, чтобы отключать свои эмоции на достаточно долгое время для самокритики или даже для выслушивания кого-то, кто говорит, как он бы улучшил вашу работу, при этом не принимая сказанное близко к сердцу. Правда в том, что большинство людей этого не умеют.

Если вы любите то, что вы создаёте, практически невозможно полностью отделить себя от своей работы. Однако способность к отходу на расстояние «художественной дистанции», а значит, до места, в котором вы можете созерцать предмет (дизайн) в его сущности, позволит вам неизмеримо улучшить качество своей работы и, в конце концов, сбросить незрелые оковы собственного эго.

Пусть ваше искусство говорит само за себя.

Список использованной литературы

1. Баллог, Э. «Физическая дистанция как фактор в искусстве и как эстетический принцип» / Британский психологический журнал, издание 5, № 2 (июнь 1912 г.), стр. 87-117
2. Пеппер, С. «Эмоциональная дистанция в искусстве» / Журнал «Эстетика и искусствоведение», издание 4, № 4 (июнь 1946 г.), стр. 235-239

Статья опубликована с разрешения журнала A List Apart и автора. Оригинал статьи: Artistic Distance.

Перевод с английского — директор «Бизнес-Альянса» Дмитрий Скляров. Иллюстрации: Арина Терентьева.